Декабрь 18, 2018, 05:50:08
Добро пожаловать, Гость. Пожалуйста, войдите или зарегистрируйтесь.
Страниц: [1]
  Отправить эту тему  |  Печать  
Автор Тема: Северный Ренессанс  (Прочитано 4604 раз)
0 Пользователей и 1 Гость смотрят эту тему.
Юта
Global Moderator
*****
Офлайн Офлайн

Сообщений: 3563



« : Август 20, 2013, 11:47:38 »

Периодизация этапов развития Возрождения в Италии и в странах Западной Европы к северу от Альп, как правило, не совпадает. Общепринятое, но условное понятие "Северное Возрождение" или "Северный Ренессанс" (около 1500 – между 1540 и 1580 годами) применяется по аналогии с итальянским Возрождением к культуре и искусству Германии, Северной Фландрии, Франции, Нидерландов; одной из главных особенностей художественной культуры этих стран является его генетическая связь с искусством поздней готики. Истоки "Северного Возрождения" следует искать на рубеже 14 и 15 столетий в Бургундии.


Дунайская школа

Дунайская школа, направление в живописи и графике Южной Германии и Австрии 1-й половины 16 века.
Особое течение немецкого Возрождения, отличающееся ярко выраженным национальным своеобразием, образует творчество мастеров Дунайской школы, главой которой являлся Альбрехт Альтдорфер. В искусстве этих художников также заметен отпечаток неустойчивости немецкой художественной культуры 10 века, во многом живущей пережитками прошлого, объединяющей в себе новые, реалистически разумные взгляды на мир с путаными иррациональными представлениями. При этом мастерам дунайской школы равно чужды научные интересы Дюрера и религиозная экзальтация Маттиаса Грюневальда. Освободившись в своем творчестве от спиритуалистической направленности средневекового искусства, они не пришли к прославлению человеческого разума и поискам гармонического идеала. В их произведениях создан сказочный мир, в котором фантастика и вымысел переплетаются с точно зафиксированными впечатлениями от реальной действительности, мифологическая или библейская легенда сливается с жанровым повествованием. Позднеготические элементы уживаются с реалистическими открытиями, причудливость соединяется с простотой. В качестве наиболее сильной стороны творчества этих художников можно отметить присущее им обостренное чувство природы. Они становятся родоначальниками немецкого пейзажа как самостоятельного жанра живописи, изображая людей в окружении природы или природу в чистом виде.


Информация с сайта Арт Планета Small Bay
Записан
Юта
Global Moderator
*****
Офлайн Офлайн

Сообщений: 3563



« Ответ #1 : Август 20, 2013, 11:53:47 »

Альтдорфер Альбрехт

Альбрехт Альтдорфер (Albrecht Altdorfer) (около 1480—1538), немецкий художник. глава дунайской школы живописи. Работал в Регенсбурге. От самых ранних лет его художественной жизни произведений не сохранилось. В зрелый период Альтдорфер выступил как мастер, обладающий ярким и оригинальным творческим почерком. Наивная простота неприкрашенных человеческих чувств и отношений, носящих оттенок бюргерской трезвости, сосуществует в его произведениях с налетом своеобразной романтики и поэтичностью народной сказки. В своем родном городе Peгенcбypгe художник был почетным гражданином и популярным архитектором. Известно, что в 1511 году Альтдорфер совершил путешествие по Дунаю и австрийским Альпам, и красота этих мест несомненно упрочила его пристрастие к пейзажной живописи. Лучшими изображениями Альтдорфера являются те, где наибольшее место отведено пейзажу. Альтдорфер строит сложные пространственные композиции, в которых мастерски применяет эффекты дневного и ночного освещения.

Пейзаж с семьей Сатира, 1507
Государственный музей
Картинная галерея, Берлин

Картина «Пейзаж с семьей Сатира» является ранней работой, написана художником Альтдорфером в начале 16 столетия. Размер картины 23 х 20 см, дерево липа, масло. Лесные пейзажи Альтдорфера в полной мере имели новаторский характер для своего времени. Эти маленькие картины, выполненные в почти миниатюрной технике, обладают особым очарованием. В картине «Святой Георгий в лесу» (1510; Мюнхен) художник изображает сказочный дремучий лес с исполинскими деревьями, закрывающими все пространство неба. Маленькая фигурка святого Георгия на коне совершенно поглощена наступающим на нее вековым бором. В узкий просвет между стволами видна темно-синяя даль. Лесная чаща переливается зеленоватыми, синими и красными оттенками. Тщательно и мастерски обрисован каждый листок. В своем «Альпийском пейзаже» (около 1532 года; Мюнхен), изображающем уходящую вдаль — к горам — лесную дорогу, Альтдорфер дает уже законченный ландшафтный образ, совершенно лишенный стаффажа.




Причастие апостолов, 1516-1518
Государственный музей
Картинная галерея, Берлин

Картина «Причастие апостолов» написана немецким художником эпохи северного возрождения Альбрехтом Альтдорфером в середине первого десятилетия 16 века. Размер картины 42 x 32,5 см, дерево, масло. Картины и произведения художника Альбрехта Альтдорфера легко узнаются по присущему им особому живописному почерку. Мастер работает тонкой кистью, накладывая нервные острые мазочки; фактура его живописи, несколько сухая и пестрая, искрится зеленоватыми, красными, желтыми и синими точками. В ряде картин (в том числе и в картине «Причастие апостолов») художник разворачивает на фоне сказочной природы сцены историко-мифологического или библейского содержания, уподобляющиеся маленьким новеллам, наполняя их сотнями бытовых или фантастических подробностей.










Прощание святого Флориана
с монастырем,
1530
Галерея Уффици, Флоренция

Картина «Прощание святого Флориана с монастырем» написана немецким художником дунайской школы Альбрехтом Альтдорфером в период расцвета своего таланта. Размер картины 81,4 х 67 см, дерево, масло. Относится в циклу картин «Житие святого Флориана», предположительно серия состоит из восьми картин; возможно, это были самостоятельные произведения, предназначавшиеся для колонн церкви В картинах художника этого цикла главенствуют человеческие фигуры, а пейзаж либо совсем отсутствует, либо сведен на положение фона. Эти композиции Альтдорфера представляют значительно меньший интерес. Таково большинство композиций, входящих в два цикла алтарных картин с изображением страстей Христа и мученичества святого Себастьяна и сценами из жизни святого Флориана. В этих работах сильнее всего обнаруживаются готические тенденции, ранее скрытые в творчестве художника, которые сказываются в угловатости некрасивых неуклюжих фигур, подчас обладающих неприятным налетом гротеска.
Записан
Юта
Global Moderator
*****
Офлайн Офлайн

Сообщений: 3563



« Ответ #2 : Август 21, 2013, 10:24:28 »

Бальдунг Ганс
Бальдунг (Baldung; прозвище – Грин, Grien) Ханс (около 1484/86–1545). Испытал влияние Альбрехта Дюрера (в мастерской которого работал в 1502–1504) и Маттиаса Грюневальда. Бальдунг работал главным образом в Страстбурге, но с 1512 до 1517 жил в Фрайбурге, где работал над своим шедевром - высоким алтарем для собора Фрейбурга, центральная панель которого - лучистое изображение коронации Богородицы. В работе над алтарем Ганс Бальдунг, волшебным образом, объединил пейзажи, фигуры, свет и цвет. Рационализм эпохи Возрождения, особенно сказавшийся в портретах Бальдунга (портрет Амброзия Вольмара Келлера, 1538, портрет графа Людвига Лёвенштайна, 1513, Картинная галерея, Берлин-Далем), часто сочетается в его творчестве с мистикой, обобщенная пластика – с дробными, ломаными ритмами (главный алтарь собора во Фрайбурге-им-Брайсгау, 1512–1516;

Отдых на пути в Египет
1514

Но всего выразительнее необычайно живые лица святых, Христа, ангелов и особенно Марии — ее образ своей глубокой человечностью и взволнованной душевной чистотой уже целиком принадлежит искусству Возрождения. Еще более противоречивым и причудливым созданием, порожденным этой переломной эпохой немецкой культуры, является громадная статуя св. Георгия, поражающего дракона, выточенная из дерева по заказу шведского государственного деятеля Стена Стуре северонемецким скульптором Бернтом Нотке в 1489 г. Фигура рыцаря на вздыбленном коне, повергающего чудовищного дракона, полна дикой, почти нелепой экспрессии и в то же время простодушной сказочной наглядности, восходящей к старинным народным мотивам; последнему впечатлению особенно содействует неожиданное применение в качестве скульптурного материала рогов лося, покрывающих тело беспомощно барахтающегося на спине дракона, а также множество всевозможных причудливых украшений на голове рыцаря и его коня, на латах, на сбруе и т. д. В этой статуе словно в последний раз оживает в своих наиболее искренних и жизненно-народных чертах сказочный мир средневековья.



Портрет Якоба фон Морсперга
1525, Гос. собрание, Штутгарт

Для развития реалистических тенденций немецкой живописи во второй половине 15 века определенное значение имеет обнаруживающаяся в это время связь отдельных мастеров с более целенаправленным в своих передовых завоеваниях нидерландским искусством. В творчестве этих художников появляется склонность к образной целостности, композиционной упорядоченности подчиненности отдельных деталей целому. Крупнейшим из мастеров этого рода был верхнерейнский живописец и график Мартин Шонгауэр (ок. 1435—1491), известный в истории искусства в первую очередь как выдающийся гравер. Лучшее произведение Шонгауэра-живописца—«Мадонна в розовой беседке» (1473, Кольмар, церковь св. Мартина). Эта картина — одно из наиболее значительных произведений раннего немецкого Возрождения. Художник изображает здесь излюбленный позднеготическими мастерами символический мотив (розовая беседка была символом рая), но в его интерпретации этот мотив не содержит ничего наивно-идиллического, как, например, у Лохнера. От готики здесь сохраняются известная острота, угловатость утонченных нервных форм, орнаментальность в трактовке цветов и листьев. По типу сурового, строгого лица мадонна Шонгауэра близко напоминает мадонны Рогира ван дер Вейдена. Новым для немецкого искусства моментом, придающим этому произведению особую значительность, являются определенно выраженные в нем поиски продуманной и закономерной упорядоченности.

Три грации, 1540
Прадо, Мадрид

Одной из лучших картин Бальдунга — "Три грации" — присуще очарование простоты, сказочности и чистоты. Бальдунга интересует передача контрастов густой ночной тьмы леса и таинственного лунного освещения. В картинах Ганса Бальдунга находят свое отражение аллегорические и мифологические темы, а также темы колдовства и обрядов ведьм. Например, картина "Две колдуньи" (Франкфурт, 1523), полная чувственности и жестокости, созданная под влиянием суеверий времен Реформации 16 -го века. Бальдунг до конца своих дней писал персонажей и сцены из древних легенд, мифологии и истории. Такие работы как, например, "Пирам и Фисба" (Берлин, 1530), "Геркулес и Антей" (Бреслау, 1530-31), "Муций Сцевола" (Дрезден, 1531) и другие. Эти картина Бальдунга "Три грации" и другие работы в некотором роде свидетельствуют о переходе его творческой манеры, как художника, от стиля эпохи Возрождения к маньеризму. В дальнейшем живописное и психологическое содержание его работ становится все более манерным, отражая в частностии воздействие итальянской школы живописи того времени. Бальдунг разработал свой особенный стиль маньеризма: столкновение цветов и извилистые линии рисунка в сочетании с натурализмом деталей.
Записан
Юта
Global Moderator
*****
Офлайн Офлайн

Сообщений: 3563



« Ответ #3 : Август 21, 2013, 10:30:36 »

Босх Иероним
Босх, Бос (Bosch) Хиеронимус [собственно Хиеронимус ван Акен, Hieronymus van Aeken] (около 1450/60–1516), великий нидерландский живописец. Работал главным образом в Хертогенбосе в Северной Фландрии. Один из наиболее ярких мастеров раннего Северного Возрождения, Иероним Босх в своих многофигурных композициях, картинах на темы народных поговорок, пословиц и притч.
Творчество Иеронима Босха одновременно - новаторское и традиционное, наивное и изощренное; оно завораживает людей ощущением какой-то тайны, известной одному художнику. «Именитый мастер» - так называли Босха в Хертогенбосе, которому художник оставался верен до конца своих дней, хотя прижизненная слава о нем распространилась далеко за пределы родного города. А после смерти она возросла неизмеримо и довольно долго не убывала; живопись мастера нашла ревностного поклонника в лице Филиппа II, короля Испании. Большинство сюжетов картин Босха связано с эпизодами из жизни Христа или святых, противостоящих пороку, или почерпнуты в аллегориях и пословицах о человеческой жадности и глупости.
Яркая достоверность произведений Босха, умение изобразить движения души человека, удивительная способность нарисовать толстосума и нищего, торговца и калеку, - все это отводит ему важнейшее место в развитии жанровой живописи. В дальнейшем мир причудливых образов Босха питали фантастически-романтические искания многих художников XIX–XX веков. Творчество Босха кажется странно современным: четыре столетия спустя его влияние неожиданно проявилось в движении экспрессионистов и позднее - в сюрреализме.

Увенчание терновым венцом
Национальная галерея, Лондон

На картине Иеронима Босха «Увенчание терновым венцом» Иисус, окруженный четырьмя мучителями, предстает перед зрителем с видом торжественного смирения. Два воина перед казнью коронуют его голову терновым венцом. Их взгляды полны хладнокровной ответственности и вместе с тем то ли истинного, то ли ложного сочувствия. Один даже ободряет Христа, положив руку на его плечо. Он, как Иуда, даже готов поцеловать свою жертву. Но палка, которую воин держит левой рукой, очень скоро ему понадобится, чтобы глубже надвинуть колючий терновник на чело Спасителя. Ошейник с острыми шипами, надетый на шею воина справа, загадка для исследователей. Такие ошейники надевали на собак, чтобы защитить от нападения волков. Известно также, что во времена Босха один господин, приговоренный к изгнанию по подозрению в соучастии в убийстве, разгуливал по улицам в золотом ошейнике с шипами, чтобы «защититься от жителей Гента». Ошейник здесь - несомненно, символ, который Босх несомненно хотел донести до зрителя. Ниже два фарисея готовят Христа к предстоящему бичеванию: один хватает его за одежды, другой в насмешку дружески пожимает ему руку. На капюшоне фарисея с бородкой можно разглядеть три знака - звезду, полумесяц и что-то, напоминающее букву «А». Видимо, они должны были указывать на его принадлежность к иудеям. Число «четыре» - число изображенных мучителей Христа - среди символических чисел выделяется особым богатством ассоциаций, оно связано с крестом и квадратом.

Поклонение волхвов
алтарь, 1510

«Поклонение волхвов» — последний из триптихов Иеронима Босха, названный по сюжету центральной части.
 Перед ветхой хижиной величественно восседает Богоматерь. Она показывает младенца волхвам, облаченным в роскошные одежды. Не вызывает сомнений, что Босх намеренно придает поклонению волхвов характер литургической службы: об этом свидетельствуют дары, которые старший из "восточных царей" Валтазар возлагает к ногам Марии — маленькая скульптурная группа изображает Авраама, собирающегося принести в жертву своего сына Исаака; это — предзнаменование жертвоприношения Христа на кресте. Нагрудник второго волхва — Мельхиора — украшен резным изображением еще одной сцены из Ветхого Завета — посещения царя Соломона царицей Савской. Третий, чернокожий Гаспар волхв держит в руке увенчанную орлом серебряную державу, на которой изображен Авенир, воздающий почести Давиду. За сценой внимательно наблюдают оборванные крестьяне, которые выглядывают справа из-за стены хлева, а чтобы лучше видеть, лезут на крышу и карабкаются на деревья. Пастухи увидели Иисуса в сочельник, но на посвященных поклонению волхвов картинах XV века они часто появляются в качестве зрителей.



Святые отшельники
триптих, 1505

Иероним Босх часто избирал темой своих картин жития святых.
 В триптихе «Святые отшельники», который Босх написал в середине своего творческого пути, изображены три вариации этой темы. Жития всех троих отражают аскетический идеал и умерщвление плоти, которые был воспеты в трактате «Подражание Христу», постоянную молитву и благочестивые размышления. Фома Кемпийский: "Какую силу самоотречения являет нам жизнь святых отцов, удалившихся в скиты! С какими долгими и мучительными искушениями приходилось им бороться! Как часто одолевал их дьявол! Как жарко и много молились они господу!.. Как велико и горячо было их рвение к усовершенствованию своего духа! Какое мужество выказали они, ведя битву со своими пороками!"
На картине святой Иероним устремляет пристальный взгляд на распятие, находя в нем прибежище и спасение от сил зла, которые воплощены в руинах языческого капища, разбросанных вокруг, и в двух сцепившихся в смертельной схватке монстрах на переднем плане. Иконография Св. Иеронима достаточно традиционна - распятие, одежды кардинала, пустыня. Но Босх изображает его не погруженным в размышление мудрым старцем, как это было принято, а кающимся аскетом. Иероним молится на развалинах языческого храма, а вокруг него - множество символов зла. Левая створка. «Святой Антоний».
Записан
Юта
Global Moderator
*****
Офлайн Офлайн

Сообщений: 3563



« Ответ #4 : Сентябрь 08, 2013, 11:09:29 »

Брейгель Питер

Брейгель (точнее Брёгел) Старший или “Мужицкий” (Bruegel de Oude, Boeren Brueghel) Питер (около 1525/30–1569), нидерландский живописец и рисовальщик. В 1552-1553 посетил Италию, работал в Антверпене, с 1563 - в Брюсселе.
Творчески переработав уроки итальянской живописи эпохи Высокого Возрождения и одновременно черпая многие свои темы из народных пословиц и притч, лубочных гравюр и листовок, Брейгель создавал глубоко народное искусство, опирающееся на местные традиции и фольклор. В творчестве Питера Брейгеля органично сплавились грубоватый народный юмор и сложное иносказание, лиризм и трагичность, острая жизненная наблюдательность и фантастический гротеск, интерес к бытовым деталям, подробной повествовательности и стремление к широкому обобщению, к созданию гармоничной картины мира.

Вавилонская башня, 1563
Музей истории искусств, Вена

В основе этой работы лежит библейское иносказание о человеческой гордыне. Картина Брейгеля вместе с тем в своей грандиозной и вместе поэтической форме напоена ощущением жизни. Оно в бесчисленных фигурках строителей, в движении повозок, в пейзаже (особенно в изображении расстилающегося по сторонам от башни моря крыш — небольших, стоящих порознь и вместе с тем тесно друг около друга, отливающих нежными тонами).  Местность, где возводится Вавилонская башня, своими равнинами и морем очень напоминает Нидерланды. Изображённые на картине люди — рабочие, каменотёсы — кажутся очень маленькими и напоминают своим усердием муравьёв. Гораздо крупнее фигуры инспектирующего строительный объект Нимрода — легендарного завоевателя Вавилона во II тысячелетии до н. э., по традиции считавшегося руководителем строительства вавилонской башни, и его свиты в левом нижнем углу картины. Низкий, на восточный манер поклон каменотёсов Нимроду — дань происхождению притчи. Представляется интересным, что по мнению Брейгеля в неудаче, постигшей столь «масштабный проект», повинны не внезапно возникшие языковые барьеры, а ошибки, допущенные в процессе строительства. На первый взгляд огромное строение кажется достаточно прочным, однако при ближайшем рассмотрении видно, что все ярусы положены неровно, нижние этажи либо недостроены, либо уже рушатся, само здание кренится в сторону города, и перспективы всего проекта весьма печальны.


Морской бой в гавани
Неаполя
, 1558-1560 годы

Картина «Морской бой в гавани Неаполя» или «Неаполитанская гавань». В наиболее ранних живописных и графических произведениях художника сочетаются альпийские и итальянские впечатления и мотивы родной природы, художественные принципы нидерландской живописи (прежде всего Босха) и некоторые итальянские маньеристические черты. Во всех этих работах очевидно стремление преобразить небольшую по размерам картину в грандиозную панораму, таковы, например, «Неаполитанская гавань» (Рим, Галерея Дориа-Памфили), «Падение Икара» (Брюссель, Королевский музей изящных искусств), гравированные Иеронимусом Коком рисунки. Самые ранние произведения Питера Брейгеля – пейзажные рисунки, в некоторых из которых зафиксированы тонкие наблюдения над природой, в других отрабатываются и изучаются приемы пейзажной живописи венецианцев и других северных мастеров более старшего поколения, таких, как Херри Мет де Блес (ок. 1480–1550) и Иоахим Патинир (ок. 1485–1524). Именно это сочетание непосредственного прямого, наблюдения с условными формулами и создает эффект неизъяснимой притягательности картин Брейгеля. Художник рассматривал пейзаж не просто как декорацию, но как арену, на которой разворачивается человеческая драма.


На пути в Египет
 1563. Галерея Кортолда, Лондон.

Картина «На пути в Египет» или «Пейзаж с бегством в Египет». Жизнь, дыхание человеческих жилищ, деятельность людей преодолевают мысли о безумии их помыслов, о тщете их трудов. Брейгель впервые открывает новую, еще не известную ни ему, ни его современникам ценность жизни, хотя она еще скрыта под напластованиями его прежних — космических и негуманистических — взглядов. К тем же выводам приводят следующие картины художника «На пути в Египет» «Самоубийство Саула» и «Путь на Голгофу». Все эти работы подготовили появление в 1565 году цикла пейзажей, открывающих новый период творчества Брейгеля и принадлежащих к лучшим произведениям мировой живописи. Цикл состоит из картин, посвященных временам года. Принято считать, что это разрозненная серия из двенадцати (или шести) картин. Некоторые исследователи творчества Питера Брейгеля предполагают, что их было четыре, а «Сенокос» (Прага, Национальная галерея) к циклу не относится. Эти произведения занимают в истории искусства место вполне исключительное — не существует изображений природы, где всеобъемлющий, почти космический аспект претворения был бы так органично слит с чувством жизни.
Записан
Раиса
Друг
*
Офлайн Офлайн

Сообщений: 21867



« Ответ #5 : Ноябрь 03, 2013, 08:40:29 »

 Многие картины писали с живых людей,  выражение  глаз, мимика  отображают  состояние души.  Глаза есть грустные, а есть смешливые. Художник уловил то едва заметное отличие и передал это на картины , которые будут сохранены на века и радовать нас. Я смотрю на картины и думаю:  чем были озабочены или напротив чему радовались эти люди. Великолепно! Спасибо!
Записан
Юта
Global Moderator
*****
Офлайн Офлайн

Сообщений: 3563



« Ответ #6 : Ноябрь 12, 2013, 01:21:24 »

Вейден Рогир ван дер

Нидерландский живописец (он же Рожье де ла Патюр; Rogier de la Pasture). Учился, вероятно, в Турне у Робера Кампена; с 1435 работал в Брюсселе, где руководил большой мастерской, в 1450 посетил Рим, Флоренцию, Феррару.
Рогир ван дер Вейден сосредоточивает внимание на изображениях первого плана, не придавая большого значения точной передаче глубины пространства и бытовых деталей обстановки.
 Рогир ван дер Вейден достиг большого успеха при жизни, и влияние его творчества было необычайно глубоким и продолжительным и после его смерти, причем не только на живопись Северной Европы, но и всего континента.

Святой Лука, пишуший образ Мадонны, 1450, Музей
Гронинген, Брюгге


Портрет молодой женщины, 1445
Картинная галерея, Берлин

Изобразительным лаконизмом, острым выявлением характерности модели выделяются портреты Рогира ван дер Вейдена (“Портрет молодой женщины”,)















Дева Мария с младенцем, 1454
Музей изящных искусств, Хьюстон

Записан
Страниц: [1]
  Отправить эту тему  |  Печать  
 
Перейти в:  

Powered by SMF 1.1.11 | SMF © 2006-2009, Simple Machines LLC
При использовании любых материалов сайта активная ссылка на www.psygizn.org обязательна.
Модификация форума выполнена CMSart Studio

Sitemap