Октябрь 20, 2018, 07:51:57
Добро пожаловать, Гость. Пожалуйста, войдите или зарегистрируйтесь.
Страниц: [1]
  Отправить эту тему  |  Печать  
Автор Тема: Возрождение  (Прочитано 5786 раз)
0 Пользователей и 1 Гость смотрят эту тему.
Юта
Global Moderator
*****
Офлайн Офлайн

Сообщений: 3563



« : Август 16, 2013, 12:47:52 »

С классической полнотой Возрождение реализовалось в Италии, в ренессансной культуре которой различают периоды: Проторенессанс или времена предвозрожденческих явлений, («эпоха Данте и Джотто», около 1260-1320), частично совпадающий с периодом дученто (13 век), а также треченто (14 век), кватроченто (15 столетие) и чинквеченто (16 век). Более общими периодами являются Раннее Возрождение (14-15 века), когда новые тенденции активно взаимодействуют с готикой, преодолевая и творчески преобразуя ее; а также Высокое и Позднее Возрождение, особой фазой которых стал маньеризм.

Венецианская школа

Венецианская школа, одна из основных живописных школ Италии с центром в городе Венеция (отчасти также в небольших городах Террафермы – областей материка, прилегающих к Венеции). Для Венецианской школы характерны преобладание живописного начала, особое внимание к проблемам колорита, стремление к воплощению чувственной полноты и красочности бытия. Тесно связанная со странами Западной Европы и Востока, Венеция черпала в иноземной культуре все то, что могло служить ее украшению: нарядность и золотой блеск византийских мозаик, каменную антуражность мавританских сооружений, фантастичность храмов готики. При этом здесь был выработан свой оригинальный стиль в искусстве, тяготеющий к парадной красочности. Венецианскую школу характеризует светское, жизнеутверждающее начало, поэтическое восприятие мира, человека и природы, тонкий колоризм.

Флорентийская школа

Флорентийская школа, одна из ведущих итальянских художественных школ эпохи Возрождения с центром в городе Флоренция. Формированию Флорентийской школы, окончательно сложившейся в 15 веке, способствовал расцвет гуманистической мысли (Франческо Петрарка, Джованни Боккаччо, Лико делла Мирандола и др.), обратившейся к наследию античности. Родоначальником Флорентийской школы в эпоху Проторенессанса стал Джотто, придававший своим композициям пластическую убедительность и жизненную достоверность. В 15 веке основоположниками искусства Ренессанса во Флоренции выступили архитектор Филиппо Брунеллески, скульптор Донателло, живописец Мазаччо, за которыми последовали архитектор Леон Баттиста Альберти, скульпторы Лоренцо Гиберти, Лука делла Роббиа, Дезидерио да Сеттиньяно, Бенедетто да Майано и другие мастера. В архитектуре Флорентийской школы в 15 столетии был создан новый тип ренессансного палаццо, начаты поиски идеального типа храмовой постройки, отвечающей гуманистическим идеалам эпохи.

Информация с сайта Арт Планета Small Bay
Записан
Юта
Global Moderator
*****
Офлайн Офлайн

Сообщений: 3563



« Ответ #1 : Август 16, 2013, 12:50:23 »

Беллини Джованни

Беллини, знаменитая семья итальянских живописцев, основоположников искусства Возрождения в Венеции. Джованни Беллини (Giovanni Bellini) (около 1430–1516), второй сын Якопо Беллини, – крупнейший художник венецианской школы, заложивший основы искусства Высокого Возрождения в Венеции.

Мадонна и младенец
с благословлением
, 1510
Пинакотека Брера, Милан

Картина живописца Джованни Беллини «Мадонна и младенец с благословлением».
В пейзаже не только правдиво передан облик природы террафермы —- широкие равнины, мягкие холмы, далекие синеющие горы, но раскрывается в плане нежной элегии поэзия трудов и дней сельской жизни: пастух, отдыхающий у своих стад, крестьянин, остановившийся у колодца. В этом по-весеннему прохладном пейзаже, столь созвучном тихой нежности Марии, спокойно, благоговейно и торжественно придерживающей младенца, уже достигнуто то особое единство, внутреннее созвучие дыхания жизни природы и духовной жизни человека, которое так характерно для венецианской живописи Высокого Возрождения. Нельзя не заметить попутно, что в трактовке образа самой мадонны, носящей несколько жанровый характер, заметен интерес Беллини к живописному опыту художников северного Возрождения.

Обнаженная молодая женщина
с зеркалом,
1512-1515
Музей истории искусства, Вена

Картина Джованни Беллини «Обнаженная молодая женщина с зеркалом» - одна из последних работ итальянского живописца.
 За окном виднеется вечерний пейзаж: густое синее небо, горы вдали и тонкая полоска уходящего заката. Эта картина с изображением идеализированной модели и пейзажем вдали напоминает некоторые живописные произведения Беллини, представляющие Деву Марию. Тем не менее в данном случае художник, конечно, не имел намерения создать предмет религиозного почитания; эта обнаженная являет светский идеал женской красоты.










Пир богов, 1514
Национальная галерея, Вашингтон

Картина Джованни Беллини «Пир богов». Размер картины 170 x 188см, холст, масло. В конце жизни Беллини обратился к сюжетам из античной мифологии; одной из последних картин художника стала мифологическая композиция «Пир богов»
Красота и умиротворенность пейзажа, спокойные позы и неторопливость движений персонажей, сосредоточенность их лиц рождают атмосферу покоя, сродни безмятежной простоте буколики.

Записан
Юта
Global Moderator
*****
Офлайн Офлайн

Сообщений: 3563



« Ответ #2 : Август 16, 2013, 12:55:04 »

Боттичелли Сандро
Боттичелли Сандро [собственно Алессандро ди Мариано Филипепи, Alessandro di Mariano Filipepi] (1445, Флоренция — 17 мая 1510, Флоренция), итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения, представитель флорентийской школы. Сандро Боттичелли — один из самых ярких художников итальянского ренессанса. Он создал пленительные по своей возвышенности образы-аллегории и подарил миру идеал женской красоты. Родился в семье дубильщика кожи Мариано ди Ванни Филипепи; прозвище «Боттичелло» — «бочоночек» — унаследовал от старшего брата Джованни. Среди первых сведений о художнике — запись в кадастре 1458 года, сделанная отцом о нездоровье своего младшего сына. По окончании учебы Боттичелли стал подмастерьем в ювелирной мастерской своего брата Антонио, но долго в ней не задержался и около 1464 перешел в ученики к монаху фра Филиппо Липпи из обители Кармине, одному из самых знаменитых художников того времени.

Весна, 1477-1478
Галерея Уффици, Флоренция

 Тема композиции — весна с сопутствующими ей античными божествами. Центром построения является Венера — не воплощение низменной страсти, а благородная богиня цветения и всяческого благоволения на земле; это неоплатонический образ.
Венера, центральная фигура композиции, стоит под сенью деревьев в этом зачарованном пространстве весеннего леса. Ее платье из тончайшей ткани с золотыми нитями украшений и роскошный плащ алого цвета, символизирующего любовь, свидетельствуют о том, что перед нами богиня любви и красоты. Но в ее хрупком облике проступают и иные черты. Склоненная голова покрыта газовым покрывалом, в какие Сандро Боттичелли любил одевать своих Мадонн. Лицо Венеры с вопрошающе поднятыми бровями выражает грусть и скромность, значение ее жеста неясно — приветствие ли это, робкая защита или благостное приятие?

Мадонна с книгой, 1480-е
Музей Польди-Пеццоли, Милан


 Художник следует схеме, характерной для его ранних композиций с Мадоннами. Но в группу из двух персонажей Боттичелли вносит мотив неустойчивости. Неясно, сидит или приподнимается Мария, и поза Младенца на ее коленях кажется неудобной. Оба персонажа связаны нежными отношениями, ручки Христа касаются рук Его Матери, и он, доверительно обернувшись, смотрит на нее. Но Мадонна погружена в глубокую печаль. Терновый венец на запястье Младенца и рисунок из перевернутых языков пламени на плаще Марии символически указывают на будущие страдания и мученическую смерть Спасителя. Зрелость мастерства художника очевидна и в безукоризненной чистоте абриса фигур, и в благородной сдержанности колорита.











Сцены из жизни Моисея
фреска, 1481-1482


Воспитанный при дворе фараона, Моисей в праведном гневе убил египтянина, который издевался над работником-израильтянином. Затем бежал от мести фараона и пришел в страну Мидиамскую. Здесь у колодца он защитил дочерей священника Иофора от пастухов и напоил их овец. Моисей женился на одной из девушек, Сепфоре. Когда Моисей пас овец своего тестя, к нему воззвал Господь из горящего куста и возложил на него миссию вывести свой народ из пленения египетского, избавив его от угнетения. В последнем эпизоде фрески показано, как Моисей выводит из Египта сынов Израиля. Боттичелли соединяет все эти разновременные сцены в рамках общей композиции, строя ее по принципу цикличности. Боттичелли выразительно обрисовывает ситуации, человеческие типы, элементы архитектуры и природу. Но это идеализированный мир древности, в его изображении мастер не придерживается археологической правды. На одеяниях персонажей лежит печать вневременности, а отдельные детали напоминают современный Боттичелли костюм. И так же лица — в большинстве своем они прекрасны, это благородное человечество, созданное воображением Боттичелли. Именно такие люди жили в древности, верит художник. В подобном же свете он воспринимает и облик своих современников. Идеальное обличье придано всем человеческим типам и возрастам — старцам, юношам, женщинам.
Записан
Юта
Global Moderator
*****
Офлайн Офлайн

Сообщений: 3563



« Ответ #3 : Август 16, 2013, 12:58:50 »

Веронезе Паоло
Паоло Веронезе (Paolo Veronese) (1528–1588). Собственно, настоящее имя Паоло Кальяри (Caliari). Итальянский живописец эпохи Позднего Возрождения. Родился в Вероне в семье скульптора Габриэле Кальяри. Учился у малозначительного веронского живописца Антонио Бадиле, которому приходился племянником. С конца 1540-х годов Веронезе начал работать самостоятельно.

Искушение святого Антония
1553, Музей изящных искусств, Канн

Картина Паоло Веронезе «Искушение святого Антония». Размер картины 198 x 151 см, холст, масло. К известной библейской теме обращались многие художники от Возрождения и до более позднего периода, например, картина мастера сюрреализма Сальвадора Дали на эту же тему написана в 1946 г. Пластически ясная проработка фигур в «Искушении святого Антония» Паоло Веронезе сближает эту картину, как и все ранние работы Веронезе, с искусством Высокого Возрождения. Однако внешняя театральность движений персонажей в значительной мере лишает их той внутренней силы, того подлинного величия, которые отличают героев монументальных композиций раннего и Высокого Возрождения от Мазаччо и Кастаньо до «Афинской школы» Рафаэля и потолка Сикстинской капеллы Микеланджело.










Брак в Кане
1563

На фоне стройной и пышной архитектуры пронизанных светом террас и портиков фризообразно развертывается сцена пиршества, объединяющего около ста тридцати фигур. Слуги то в венецианских, то в причудливо восточных одеждах, музыканты, шуты, пирующие юноши, роскошно одетые прекрасные дамы, бородатые мужи, почтенные старцы образуют полную движения красочную композицию. Некоторые головы носят портретный характер. Таковы изображения государей Европы от султана Сулеймана I до Карла V. В группе музыкантов Веронезе изобразил Тициана, Бассано, Тинторетто и самого себя. При всем многообразии мотивов картина образует единое живописное композиционное целое. Многочисленные персонажи расположены по трем текущим друг над другом лентам или ярусам. Беспокойно шумное движение толпы замкнуто с краев картины колоннами, центр подчеркнут симметрично расположенной вокруг восседающего Христа группой.




Марс и Венера, 1570-е
Метрополитен-музей, Нью-Йорк

Картина Паоло Веронезе «Марс, соблазняющий Венеру». Размер картины 206 x 161 см, холст, масло. В Венеции Веронезе знакомится с творчеством Тициана, у которого он воспринял широкую, свободную манеру письма, ставшую характерной для его произведений. 1560-е годы – период расцвета творчества Веронезе. Могучая фигура бога войны в доспехах и в красном плаще изображена на переднем плане картины, обнаженная Венера напоминает античную скульптуру. Поразительная стройность композиции, точная лепка и пластичность фигур подчеркиваются праздничной приподнятостью, выразительностью ракурсов, ликующим великолепием звучного колорита.
Записан
Юта
Global Moderator
*****
Офлайн Офлайн

Сообщений: 3563



« Ответ #4 : Август 16, 2013, 01:01:31 »

Джорджоне
Джорджоне (Giorgione; собственно Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, Barbarelli da Castelfranco) (1476 или 1477–1510), итальянский живописец, один из основоположников искусства Высокого Возрождения, славился также как искусный певец и музыкант. Джорджоне родился в небольшом городке Кастельфранко, местечка Венето недалеко от Венеции. Настоящее имя художника – Джорджо, но обычно его называли по прозвищу Джорджоне (большой Джорджо, из-за крупного телосложения). Не установлено его происхождение. После смерти историка и биографа многих художников эпохи ренессанса Вазари распространилось его мнение, что Джорджоне своим происхождением был связан с знатной семьей Барбарелли; поэтому позднее его часто называли этим именем – Джорджо Барбарелли да Кастельфранко. Легендой или былью является утверждение Вазари о том, что Джорджоне являлся сыном главы древнего знатного клана Барбарелли, рожденным вне брака, достоверно установить так и не удалось. К сожалению, не сохранилось ни рукописей художника, ни его записок об искусстве, живописи и музыке, не сохранилось даже его писем. Будучи совсем юным Джорджоне прибыл в Венецию. Известно, что в возрасте шестнадцати лет Джорджоне уже проходил обучение и работал в мастерской знаменитого венецианского художника Джованни Беллини.

Гроза, 1505-1508
Галерея Академии, Венеция

Одним из самых загадочных по своему сюжетному смыслу произведений венецианского художника Джорджоне является картина «Гроза».  Трудно сказать, на какой конкретный сюжет написана «Гроза». Но сколь бы ни был для зрителя смутным внешний сюжетный смысл, которому, видимо, ни сам художник, ни утонченные ценители и знатоки его искусства того времени и не придавали решающего значения, ясно ощущается стремление художника через своеобразное контрастное сопоставление образов воспроизвести некое особое состояние души, при всей многогранности и сложности ощущений отличающееся цельностью общего настроения. Может быть, эта одна из первых работ зрелого мастера еще чрезмерно усложнена и внешне запутанна по сравнению с его более поздними произведениями. И все же все характерные черты зрелого стиля Джорджоне в ней вполне явственно себя утверждают.







Три философа, 1508
Музей истории искусства, Вена

Картина «Три философа» итальянского художника Джорджоне. Размер работы мастера 124 x 145 см, дерево, масло. Как упоминалось, интерес к портретной заостренности не характерен для творчества Джорджоне. Это вовсе не значит, что его персонажи, подобно образам классического античного искусства, лишены какого бы то ни было конкретного своеобразия. Это не так. Его волхвы в раннем «Поклонении волхвов» и философы в картине «Три философа» отличаются друг от друга не только по возрасту, но и по своему личному облику. Все же философы при всем индивидуальном различии образов в первую голову воспринимаются не столько как неповторимые, яркие, портретно охарактеризованные индивидуальности или тем более изображение трех возрастов (юноша, зрелый муж и старец), сколько как воплощение различных сторон, различных граней человеческого духа . Три философа, изображенные художником в одноименной картине, интригующе неопределенны: старец, мужчина среднего возраста и юноша, представленные рядом с темной пещерой, предположительно на фоне заката в горной долине, могут быть и тремя волхвами, и аллегориями разных наук (астрологии, философии, математики) и, наконец, фигурными воплощениями трех разных эпох в жизни человечества (ветхозаветно-библейской, средневеково-схолатической и ренессансной). Данная трактовка в полной мере относится и к картине художника «Три возраста жизни».

Спящая Венера
1510, Дрезденская галерея

Завершается творчество Джорджоне двумя произведениями — дрезденской «Спящей Венерой» и луврским «Концертом». Эти картины остались незаконченными, и пейзажный фон в них был дописан младшим другом и учеником Джорджоне — великим Тицианом. Картина «Спящая Венера», кроме того, утратила некоторые свои живописные качества вследствие ряда повреждений и неудачных реставраций. Но как бы то ни было, именно в этом произведении с большой гуманистической полнотой и почти античной ясностью раскрылся идеал единства физической и духовной красоты человека. Удивительно целомудренная, несмотря на свою наготу, «Спящая Венера» является в полном смысле аллегорией, символическим образом Природы. Погруженная в спокойную дрему нагая Венера изображена на фоне сельского пейзажа, спокойный пологий ритм холмов которого так гармонирует с ее образом. Облачная атмосфера смягчает все контуры и сохраняет вместе с тем пластическую выразительность форм. Как и иные творения Высокого Возрождения, джорджоневская Венера замкнута в своей совершенной красоте и как бы отчуждена и от зрителя и от созвучной ее красоте музыки окружающей ее природы. Не случайно она погружена в ясные грезы тихого сна. Закинутая за голову правая рука создает единую ритмическую кривую, охватывающую тело и замыкающую все формы в единый плавный контур. Безмятежно светлый лоб, спокойно изогнутые брови, мягко опущенные вежды и прекрасный строгий рот создают образ непередаваемой словами прозрачной чистоты. Все полно той кристальной прозрачности, которая достижима только тогда, когда ясный, незамутненный дух живет в совершенном теле.
Записан
Юта
Global Moderator
*****
Офлайн Офлайн

Сообщений: 3563



« Ответ #5 : Август 18, 2013, 10:53:23 »

Карпаччо Витторе
Карпаччо Витторе (Carpaccio Vittore) (около 1455 или 1456 - около 1526). Итальянский живописец Раннего Возрождения. Родился в семье меховщика в Венеции. Учился и работал у Джентиле Беллини в Венеции. У Витторе Карпаччо сложились очень теплые отношения с семейством Беллини. Вполне возможно, что в 1505—1506 годах Карпаччо мог познакомиться с Альбрехтом Дюрером, который проживал в то время в Венеции и часто посещал мастерскую Джованни Беллини. Следует отметить, что Карпаччо был не только мастеровитым и талантливым живописцем, но и весьма образованным человеком. В некоторых работах Карпаччо встречаются надписи на древнем арамейском языке, подписывался он довольно часто латинизированным именем Victor Carpathius.

Молодой рыцарь, 1510,
Музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид

Картина Витторе Карпаччо «Молодой рыцарь». Размер полотна 218 x 152 см, холст, масло. Художник практически не обращался к портрету как отдельному жанру, но у него есть своеобразное по замыслу и исполнению произведение — «Молодой рыцарь на фоне пейзажа» из собрания барона Тиссена. Герой представлен в окружении природы на фоне замка. Со знанием подлинного натуралиста выписывает Карпаччо каждый листок, каждое растение. Кажется, что они принадлежат кисти нидерландского живописца — столь трепетно и с такой точностью воспроизведена каждая деталь изображения. И всё же для Карпаччо мир природы не открывал особых глубин; природу он наделял в первую очередь символическим и даже геральдическим смыслом. Гораздо больше его привлекала городская жизнь и место человека в ней — по современным понятиям, художник был урбанистом.










Размышления о Страстях Христовых
1510, Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Картина Витторе Карпаччо «Размышления о Страстях Христовых». Размер картины 71 x 87 см, дерево, темпера. Работа итальянского художника интересна и по замыслу и по композиционному решению - действие происходит на фоне античных развалин. Вечерний пейзаж, синее грозовое небо, аллегорическая фигура Иисуса Христа на условном троне и двое апостолов на переднем плане. Терновый венок с острыми шипами, снятый с головы Христа, череп и кости тут же на земле добавляют некоторой драматичности, хотя вся картина получилась почти жанровой. Фигуры апостолов написаны простыми и жизненными, похожими на обычных венецианцев.





Чудо реликвии Святого Креста
1494, Галерея Академии, Венеция

Грандиозная по художественно-каноническим масштабам конца 15 века картина Витторе Карпаччо «Чудо реликвии Святого Креста». Размер картины 365 x 389 см, холст, масло. Заказчиком монументальной картины явилась школа святого Иоанна Евангелиста, одно из венецианских религиозных братств. Витторе Карпаччо вместе с Джентиле Беллини и другими венецианскими живописцами привлекался к созданию цикла росписей и картин «История реликвии» во Дворце Дожей, прославляющих Венецианскую Республику. Художник Карпаччо, по всей видимости, очень любил свой город, поэтому и написал немало картин с венецианскими видами, например, как вышеприведенная картина «Чудо реликвии Святого Креста», в которой живописец изобразил величественную (по меркам 15 столетия) панораму родного города.
Записан
Юта
Global Moderator
*****
Офлайн Офлайн

Сообщений: 3563



« Ответ #6 : Август 18, 2013, 10:55:11 »

Леонардо да Винчи
Леонардо да Винчи (Leonardo da Vinci) (1452-1519), итальянский живописец, скульптор, архитектор, ученый и инженер. Основоположник художественной культуры Высокого Возрождения, Леонардо да Винчи сложился как мастер, обучаясь у Андреа дель Верроккьо во Флоренции. Методы работы в мастерской Вероккьо, где художественная практика сопрягалась с техническими экспериментами, а также дружба с астрономом П.Тосканелли способствовали зарождению научных интересов молодого да Винчи.
Леонардо да Винчи добивался, прибегая иногда к почти карикатурному гротеску, остроты в передаче мимики лица, а физические особенности и движение человеческого тела юношей и девушек приводил в идеальное соответствие с духовной атмосферой композиции.

Мадонна в скалах
1483-1494, Лувр, Париж

В леонардовской картине «Мадонна в скалах» нет ни того, ни другого. Действующие лица лишены скованности, они отличаются полной свободой физических и душевных движений. Здесь нет и ясно выраженного сюжетно-повествовательного раскрытия темы; вместо четкой фиксации определенного момента (который чувствуется в картине «Мадонна с цветком») Леонардо нашел в луврской картине один из важнейших изобразительных принципов Высокого Ренессанса, который можно определить как воплощение человеческого образа в состоянии гармонического бытия, особого равновесия внутренних и внешних движений. Это не отдельный момент, это своеобразное, «длящееся» состояние, свободное, однако, от внутренней скованности кватрочентистских образов. По-новому представлено здесь и окружение действующих лиц — подобие грота среди причудливых скал, напоминающих по форме гигантские темные кристаллы, почва, усеянная разнообразными цветами. Порознь каждый камень, каждая травинка и цветок — это тончайшее изображение натуры, свидетельство огромных познаний Леонардо да Винчи в геологии и ботанике, но в целом они образуют пейзаж почти фантастического характера. Это уже не фон, а своеобразная эмоциональная среда, вступающая в активную связь с человеческими образами, — недаром фигуры изображены не перед пейзажем, как это бывало прежде, а в самом пейзаже. Традиционная кватрочентистская разобщенность первого плана и фона тем самым была окончательно преодолена. Под стать обобщенному характеру образов, «крупному» видению натуры и само композиционное мышление Леонардо да Винчи.



Мона Лиза (Джоконда)
1503-1505, Лувр, Париж

 Около 1503 года Леонардо приступил к работе над портретом Моны Лизы, супруги богатого флорентийца Франческо Джокондо. Произведение это, известное простонародной публике под наименованием «Джоконда», получило восторженную оценку уже у современников. Слава картины была настолько велика, что впоследствии вокруг нее складывались легенды. Ей посвящена огромная литература, большая часть которой далека от объективной оценки леонардовского создания. Нельзя не признать, что это произведение, как одно из немногих памятников мирового искусства, действительно обладает огромной притягательной силой. Но эта особенность картины связана не с воплощением некоего таинственного начала или с другими подобными же измышлениями, а рождена ее поразительной художественной глубиной. Портрет Леонардо да Винчи «Мона Лиза» — это решающий шаг на пути развития ренессансного портретного искусства. Хотя живописцы кватроченто оставили ряд значительных произведений этого жанра, все же их достижения в портрете были, так сказать, непропорциональны достижениям в основных живописных жанрах — в композициях на религиозную и мифологическую тематику.





Мадонна Литта
Ок.1491, Эрмитаж, Санкт-Петербург

Картину «Мадонна Литта» художник Леонардо да Винчи написал в начале 90-х годов 15-го столетия.  В картине «Мадонне Литта» — в произведении итальянского живописца иного, более камерного характера нежели ранние работы, отчетливо выразились элементы нового искусства эпохи Высокого Возрождения. Общий замысел картины восходит, бесспорно, к самому мастеру, что подтверждается его собственноручным рисунком женской головы для головы мадонны, хранящимся в Лувре, и той особой красотой композиционного решения, которая в те годы была недоступна никому, кроме Леонардо да Винчи. Однако живописное исполнение картины менее совершенно. Это связано, по-видимому, с тем, что в работе над картиной принимал участие ученик Леонардо Амброджо де Предис.
Записан
Юта
Global Moderator
*****
Офлайн Офлайн

Сообщений: 3563



« Ответ #7 : Август 18, 2013, 10:56:52 »

Мантенья Андреа
Мантенья Андреа (Mantegna Andrea) (1431-1506)

 Итальянский живописец и гравер эпохи Раннего Возрождения. Учился в Падуе у своего приемного отца, живописца и антиквара Франческо Скварчоне (около 1441-1448), изучал древнеримские скульптуру и архитектурный декор, увлекался археологией и эпиграфикой, испытал воздействие творчества Донателло, Андреа дель Кастаньо и живописи венецианской школы. Искусству Мантенья, ведущего мастера падуанской школы, присущи героическое, проникнутое пафосом утверждения достоинства человеческой личности мироощущение, приверженность к четкой архитектонической композиции. Живописная манера художника Андреа Мантенья отличается чеканностью форм и рисунка, эмалевым блеском красок .
Андреа Мантенья был незнатного происхождения, но усыновленный и обученный простым малоизвестным живописцем, он стал одним из самых значительных художников своего времени. Стиль Андреа Мантенья, как и стиль других ренессансных мастеров, сформировался под воздействием древнегреческой и древнеримской скульптуры. Многие из его произведений действительно исполнены как гризайль - живописная имитация мраморного или бронзового рельефа.

Парнас, 1497
Музей Лувр, Париж


Святой Георгий, 1460
Галерея Академии, Венеция


Моление о чаше, 1455
Национальная галерея, Лондон
Записан
Юта
Global Moderator
*****
Офлайн Офлайн

Сообщений: 3563



« Ответ #8 : Август 18, 2013, 10:58:49 »

Микеланджело
Микеланджело Буонарроти (Michelangelo Buonarroti; иначе Микеланьоло ди Лодовико ди Лионардо ди Буонаррото Симони) (1475-1564), итальянский скульптор, живописец, архитектор и поэт. В искусстве Микеланджело с огромной выразительной силой воплотились как глубоко человечные, полные героического пафоса идеалы Высокого Возрождения, так и трагическое ощущение кризиса гуманистического миропонимания, характерное для позднеренессансной эпохи. Микеланджело учился во Флоренции в мастерской Д.Гирландайо (1488-1489) и у скульптора Бертольдо ди Джованни (1489-1490), однако определяющее значение для творческого развития Микеланджело имело его знакомство с работами Джотто, Донателло, Мазаччо, Якопо делла Кверча, изучение памятников античной пластики. Уже в юношеских произведениях (рельефы “Мадонна у лестницы”, “Битва кентавров”, около 1490-1492, Каса Буонарроти, Флоренция) определились главные черты творчества скульптора - монументальность и пластическая мощь, внутренняя напряженность и драматизм образов, благоговение перед человеческой красотой.

Сикстинская капелла
Потоп (фрагмент)


Потоп, фреска Микеланджело Буонарроти, фрагмент росписи Сикстинской капеллы. В сикстинском плафоне Микеланджело пришел к полной зрелости своего мастерства. В общей композиции плафона он решил труднейшую задачу, найдя такое его архитектоническое членение, которое, несмотря на обилие фигур, давало возможность достичь не только логической последовательности изображений и ясной обозримости каждой из бесчисленных фигур в отдельности, но и впечатления декоративного единства гигантской росписи. В соответствии с принципами монументальной живописи Возрождения, роспись не только не разрушает архитектуру свода и стен, а, напротив, обогащает ее, выявляя ее тектоническую структуру, усиливая ее пластическую ощутимость. В живописи фигур пластическое начало доминирует безраздельно — в этом отношении фрески плафона служат наглядным выражением слов Микеланджело: «Наилучшей будет та живопись, которая ближе всего к рельефу».



Сотворение Евы

Сотворение Евы, фреска Микеланджело Буонарроти, фрагмент росписи Сикстинской капеллы. Фреска «Сотворение Евы» являет собой сцену из Книги Бытия и относится ко второй триаде библейских историй, изображенных Микеланджело. Триада включает в себя сцены «Сотворение Адама», «Сотворение Евы», «Искушение и Изгнание из рая», посвященные созданию человечества и его грехопадению.










Пророк Исайя


Согласно канону пророк Исайя является автором ветхозаветной книги Исайи. Библейское предание гласит, что народ иудейский «отвернулся от Бога Израилева», по Иудее распространилось идолопоклонство. Иудеям приходилось противостоять постоянным набегам и нападениям со стороны Израиля и Сирии. С целью обезопасить Иудею от вторжения сирийцев, иудейские цари заключили союз с ассирийским царем, налагая на народ иудейский бремя тяжелой дани. В соответствии с преданием, во время царствования Езекии на Иудею напал ассирийский царь Сеннахериб. Но по молитве Езекии войско противника было истреблено. Однако сам Езекия тяжело заболел и был вылечен молитвой пророка Исаии. Жизнь Исайи мученически закончилась в период царствования царя иудейского Манассии, известного своими беззакониями и гонениями на пророков.
Записан
Юта
Global Moderator
*****
Офлайн Офлайн

Сообщений: 3563



« Ответ #9 : Август 18, 2013, 11:00:27 »

Рафаэль Санти
Рафаэль (собственно Раффаэлло Санти или Санцио, Raffaello Santi, Sanzio) (26 или 28 марта 1483, Урбино — 6 апреля 1520, Рим), итальянский живописец и архитектор.
 В его творчестве с наибольшей ясностью воплотились гуманистические идеалы Высокого Возрождения о прекрасном и совершенном человеке, живущем в гармонии с миром, характерные для эпохи идеалы жизнеутверждающей красоты. Рафаэль, сын живописца Джованни Санти, ранние годы провел в Урбино. В 1500-1504 годах Рафаэль, по свидетельству Вазари, учился у художника Перуджино в Перудже. Произведения этого периода творчества Рафаэля  отмечены тонкой поэзией и мягким лиризмом пейзажных фонов.Вслед за Леонардо Рафаэль начинает много работать с натуры, изучает анатомию, механику движений, сложные позы и ракурсы, ищет компактные, ритмически сбалансированные композиционные формулы.

Святое семейство, 1508
Старая пинакотека, Мюнхен

Картина художника Рафаэля Санти «Святое семейство» Каниджани. Размер картины 131 x 107 см, дерево, масло. Заказчик работы — Доменико Каниджанини из Флоренции. На картине «Святое семейство» великий живописец эпохи ренессанса Рафаэль Санти изобразил в классическом ключе библейской истории — святое семейство — Деву Марию, Иосифа, младенца Иисуса Христа вместе со святой Елизаветой и младенцем Иоанном Крестителем. Художнику удалось подчеркнуть изящество и жизненность фигур классического сюжета, четкость и легкость деталей.













Сикстинская мадонна, 1514
 Картинная галерея, Дрезден


На картине художником изображены дева Мария с младенцем Христом, папа Сикст II и святая Варвара. Картина «Сикстинская мадонна» принадлежит к числу наиболее прославленных произведений мирового искусства. В ренессансной живописи это, быть может, самое глубокое и самое прекрасное воплощение темы материнства. Для Рафаэля Санти оно явилось также своеобразным итогом и синтезом многолетних исканий в наиболее близкой ему теме. Рафаэль мудро использовал здесь возможности монументальной алтарной композиции, вид на которую открывается в далекой перспективе церковного интерьера сразу, с момента вступления посетителя в храм. Издали мотив раскрывающегося занавеса, за которым, словно видение, предстает ступающая по облакам мадонна с младенцем на руках, должен производить впечатление захватывающей силы. Жесты святых Сикста и Варвары, направленный вверх взгляд ангелов, общая ритмика фигур — все служит тому, чтобы приковать внимание зрителя к самой мадонне.
Записан
Юта
Global Moderator
*****
Офлайн Офлайн

Сообщений: 3563



« Ответ #10 : Август 18, 2013, 11:02:26 »

Тициан
Тициан (собственно Тициано Вечеллио, Tiziano Veccellio) (около 1488/1490 - 1576), итальянский живописец эпохи Высокого и Позднего Возрождения. Учился в Венеции у Джованни Беллини, в мастерской которого сблизился с Джорджоне; работал в Венеции, а также в Падуе, Ферраре, Мантуе, Урбино, Риме и Аугсбурге. Тесно связанный с художественными кругами Венеции (Джорджоне, архитектор Якопо Сансовино, писатель Пьетро Аретино), выдающийся мастер венецианской школы живописи, Тициан воплотил в своем творчестве гуманистические идеалы Возрождения. Его жизнеутверждающее искусство отличается многогранностью, широтой охвата действительности, раскрытием глубоких драматических конфликтов эпохи. Интерес к пейзажу, поэтичность, лирическая созерцательность, тонкий колорит роднят ранние работы Тициана с творчеством Джорджоне; самостоятельный стиль художник начал вырабатывать к середине 1510-х годов, после знакомства с произведениями Рафаэля и Микеланджело.

Венера и Адонис, 1550-е
Музей Гетти, Лос Анджелес.

Полным динамики, смятения, сильных порывов страстей предстает мир в серии мифологических композиций. Живописную технику позднего Тициана характеризует в своем известном высказывании Боскини со слов Пальмы Младшего: «Тициан покрывал свои холсты красочной массой, как бы служившей ложем или фундаментом для того, что он хотел в дальнейшем выразить. Я сам видел такие энергично сделанные подмалевки, исполненные густо насыщенной кистью в чистом красном тоне, который призван был наметить полутон, либо белилами. Той же кистью, окуная ее то в красную, то в черную, то в желтую краску, он вырабатывал рельеф освещенных частей. С этим же великим умением, при помощи всего лишь четырех мазков, вызывал он из небытия обещание прекрасной фигуры.


Кающаяся Мария Магдалина
1560-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург

 Последовательно и с большой живописной силой эстетические представления позднего Тициана о жизни находят свое выражение в его «Кающейся Магдалине», одном из шедевров эрмитажной коллекции. Картина эта написана на сюжет, весьма характерный для эпохи контрреформации. На деле же в этой картине Тициан еще раз утверждает гуманистическую и «языческую» основу своего творчества. Великий реалист, решительно переосмысливая религиозно-мистический сюжет, создает произведение, по своему содержанию открыто враждебное реакционно-мистической линии в развитии итальянской позднеренессансной культуры. Для Тициана смысл картины не в пафосе христианского покаяния, не в сладостной истоме религиозного экстаза и тем более не в утверждении тленности плоти, из «темницы» которой рвется к богу «бестелесная душа» человека. В «Магдалине» череп — мистический символ тленности всего земного — для Тициана лишь аксессуар, навязанный канонами сюжета, поэтому он и обращается с ним довольно бесцеремонно, превращая его в подставку для развернутой книги. Взволнованно, почти жадно передает нам художник пышущую красотой и здоровьем фигуру Магдалины, ее прекрасные густые волосы, ее бурно дышащую нежную грудь. Страстный взгляд полон земной, человеческой скорби.


Виоланта (Красавица Гатта)
1514, Музей истории искусства, Вена


Наиболее полно воплотить идеал физически и духовно прекрасного человека, данного во всей жизненной полноте его бытия, Тициану удается в портрете.  К этому периоду относится и его полная несколько холодного изящества «Виоланта», светловолосая девушка с удивительно прекрасными глазами. Густая волна волос тяжелым золотом ниспадает на открытые чудные плечи и превращается в прозрачный невесомый пух, нежно окутывающий тонкие кружева и белоснежную кожу молодой женщины. Дорогое платье предназначено лишь подчеркнуть еще раз благородное происхождения и прирожденное чувство достоинства. Картина имеет второе название - «Красавица Гатта».
Записан
Раиса
Друг
*
Офлайн Офлайн

Сообщений: 21867



« Ответ #11 : Ноябрь 03, 2013, 09:01:58 »

 Смотрю на картину  «Мона Лиза», какая  женственность, умиротворенность на лице, и вместе с этим внутренняя непоколебимая сила.   
Записан
Страниц: [1]
  Отправить эту тему  |  Печать  
 
Перейти в:  

Powered by SMF 1.1.11 | SMF © 2006-2009, Simple Machines LLC
При использовании любых материалов сайта активная ссылка на www.psygizn.org обязательна.
Модификация форума выполнена CMSart Studio

Sitemap